En 1877 Emile Reynaud creó el praxinoscopio, un zootropo con mecanismos que permitía darle movimiento a las imágenes. En 1888 Reynaud preparó en París un espectáculo al que llamó Teatro Óptico, en el que proyectaba imágenes en movimiento de Pantomimas luminosas. Estas fueron consideradas los primeros “dibujos animados”.
Sin embargo, a pesar de ser el pionero en esta técnica, no fue Emile Reynaud el considerado Padre del Cine de Animación, sino Walt Disney. El padre del famoso ratón Mickey, fue el creador de lo que hoy conocemos como cine de animación. Desde entonces, el poder de la técnica y los efectos especiales y visuales no han parado de avanzar hasta crear resultados espectaculares. Estos avances han conectado perfectamente con nuevas apuestas narrativas e ideas realmente brillantes. El resultado ha propiciado verdaderas obras maestras.
Hoy, echamos la vista atrás para recordar las mejores películas de animación de la pasada década:
¿Conoces las mejores películas de animación de la última década?
Del revés (Pete Docter y Ronaldo Del Carmen, 2015). Una de las obra culmen de Pixar, quizá la más laureada y celebrada de los últimos años, y que comparte el privilegio con Toy Story 3 de no solo haber conseguido el Oscar a Mejor Película de Animación, sino de optar a la estatuilla a Mejor Película del año.
Se trata de un ejercicio extraordinario de sensibilidad sobre el paso de la infancia a la adolescencia, con todo lo bueno y lo malo que eso conlleva. La película acompaña a una joven, Railey, en este viaje hacia su madurez, travesía que se realiza buceando en el interior del cerebro humano
Un film que también recibió nominación al Oscar en el apartado de Guion Original por su autenticidad y profundidad, y que puede ser admirada no solo por los pequeños de la casa, sino también por los mayores.
Spider-Man: Un nuevo universo (Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman, 2018). Una de las últimas apuestas del hombre araña ha resultado ser un rotundo éxito. Y no es para menos: si la exploración del multiverso es importante para la ciencia, en la película le dan una vuelta de tuerca con la irrupción de diferentes realidades en una misma dimensión.
En este universo, Miles Morales se convierte en Spider-Man tras la muerte del mítico Peter Parker, pero el Super Colisionador del villano Wilson Fisk trae de vuelta al finado Parker desde otra dimensión. Así, Peter se convierte en el mentor de Miles, aunque todavía esperan muchas más sorpresas: el experimento también ha llevado hasta esa dimensión a los Spider-Man de otros universos, y deben volver a casa antes de quedar atrapados, además de salvar el mundo, como siempre.
Sin embargo, estos Spider-Man, a pesar de reunir características similares y un objetivo heroico común, son muy diferentes entre sí, mostrando nuevas posibilidades creativas y sociales. Estos y estas son Spider-Woman, Spider-Man Noir, Spider-Ham y Peni Parker y SP//dr.
Además de la interesante apuesta, la película rompe estereotipos y prejuicios instalando no solo un protagonista afroamericano (Miles Morales), sino todo un muestrario de héroes de diferentes características que cumplen perfectamente su función. Y no hay mejor ejemplo para los espectadores más pequeños, que, además, agotaron las existencias de las zapatillas del nuevo Spidey.
El pasado año Juan Diego Zapata, animador senior de este film que forma parte del ranking de las mejores películas de animación de la última década., nos habló de cómo fue trabajar en esta película y cómo fue su animación. No te pierdas su entrevista:
Coco (Lee Unkrich y Adrián Molina, 2017). Pixar nos tiene acostumbrados a películas bellas en su forma y de gran calado social y emocional en su fondo. Y con Coco se luce, ya que explora la interesante historia del Día de Muertos en México, una celebración para honrar a las personas que fallecieron. Sin embargo, y a pesar del dramatismo que puede traer algo así, la película cuenta la tradición con respeto, alegría y humor, extrayendo el lado más positivo del ritual.
Miguel Rivera es el protagonista de la cinta, un joven que aspira a ser músico a pesar de las restricciones de su familia. De hecho, en un intento por descubrir más sobre el posible pasado músico de un pariente suyo, se traslada a la dimensión de los muertos y descubre cómo la mencionada festividad influye en la vida de los fallecidos: si son recordados, los muertos pueden volver una vez al año a la tierra de los vivos para visitar a sus familiares.
La aventura sin parangón por la Tierra de los Muertos muestra a Miguel la importancia de recordar a aquellos que se fueron, mientras lucha por volver al mundo real y seguir con su propósito musical. Por otro lado, la película enaltece la cultura de un pueblo tan rico como el mexicano, mostrando otras realidades del planeta y saliendo de la zona de confort de las ficciones del primer mundo.
Tadeo Jones, una de las mejores películas de animación de la última década, que hizo historia en España
Las aventuras de Tadeo Jones (Enrique Gato, 2012). La animación española se vistió de gala para preparar su evolución dentro del género. Y lo hizo basándose en el corto Tadeo Jones, que ya se metió en el bolsillo varios premios, incluyendo el Goya. Esta vez, bebiendo de semejante fuente de éxitos, no iba a ser menos y, además, a lo grande: Goyas a Mejor Película de Animación, Mejor Dirección Novel y Mejor Guión Adaptado.
Tadeo y su tropa se convierten en los Indiana Jones patrios por accidente. El protagonista, obrero de toda la vida, es confundido con un famoso arqueólogo y, sin saber cómo, acaba en Perú intentando salvar la ciudad perdida de los Incas de unos cazatesoros.
Una aventura de las que hacen mella, con un sinfín de anécdotas, secundarios geniales, desastres, mucho humor y, sobre todo, la frescura de una apuesta audiovisual novedosa que tuvo una segunda parte igualmente exitosa. Porque los héroes españoles son especiales.
En el siguiente vídeo podrás disfrutar de una entrevista a Enrique Gato, Director de Tadeo Jones y co-fundador de Lightbox Academy
Klaus (Sergio Pablos, 2019). El último gran descubrimiento de la animación española se llama Klaus y fue nominada a un Oscar a Mejor Película de Animación, un hito para nuestro cine. Y, para ganar en encanto, se ambienta en la Navidad, y relata una nueva versión de cómo surgió el fenómeno de Papá Noel.
Pero el protagonista no es Klaus, sino Jesper, un consentido estudiante de cartero al que destinan para su primer trabajo a Smeerensburg, una isla helada más allá del Círculo Polar Ártico. Allí, no solo aprenderá a desenvolverse en su oficio, sino a convertirse en mejor persona y mejorar la vida de un pueblo donde reina el frío, la hostilidad y la enemistad entre familias. Y en el proceso, Klaus aparece como un viejo carpintero que, poco a poco, empieza a desarrollar su papel de Santa Claus por casualidad, de forma totalmente realista. Sin embargo, la magia llega, y no lo hace de forma evidente, sino dejando una serie de pistas solo aptas para los espectadores que aún creen en ella. La ilusión es clave para su disfrute.
Marcel Tojo, Layout Supervisor de la película, nos contó la importancia de las emociones en esta película:
Toy Story 3 (Lee Unkrich, 2010). Dicen que segundas partes nunca fueron buenas, pero con Toy Story no fue del todo cierto. Porque, aunque la segunda película de la saga no estuvo a la altura de la primera, la tercera se convirtió no solo en la mejor de la franquicia (incluso tras el lanzamiento de la admirable cuarta película), sino en una de las mejores cintas de animación de todos los tiempos.
Toy Story 3 supuso no solo una revolución tecnológica a nivel de animación (además del 3-D que había empezado a implantarse), sino un adelanto en materias narrativa y emocional, pocas veces vistas en el género. En este sentido, el film brindó algunas de las secuencias más impactantes y conmovedoras del cine de entonces. Porque Andy se va a la universidad y el destino incierto de los juguetes no solo invita a reflexionar sobre la madurez y el fin de la infancia, sino que presenta una aventura trepidante para los muñecos, con frustraciones, amores y alegrías incluidas.
Por suerte, esta gran obra de arte combina el drama con las dosis habituales de humor de la saga, para alivio de nuestros conductos lacrimales.
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